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Mostrando entradas con la etiqueta GRANDES PINTORES Y ESCULTORES DE LA HUMANIDAD. Mostrar todas las entradas
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martes, 14 de julio de 2020

LAS NINFAS EN EL ARTE


Frederick Leighton, Ninfa

Las ninfas son divinidades menores asociadas a lugares determinados. Todas ellas son hijas de Zeus, el mayor entre los dioses, y el de mayor energía sexual.

William-Adolphe Bouguereau, Ninfa

Ellas personifican la vitalidad de la naturaleza, la fuerza de los instintos.


John Collier

La cantidad de ninfas es infinita y se corresponde con todos los sitios de la naturaleza a los que representan: grutas, árboles, montañas, lagos, ríos, mares.



Emile Bernard (1868-1941)- Las Ninfas después del baño
Gustave Doré, Oceánides

Las ninfas tienen relaciones sexuales con hombres y mujeres. Son manifestaciones de las pulsiones sexuales.

Edward Poynter, La caverna de las Ninfas

La palabra ninfomanía significa el intenso deseo de mantener constantes relaciones sexuales a un nivel excesivo. La palabra proviene de ninfa. 

Leon Navez, La Ninfa

La palabra nínfula se aplica a las jóvenes precoces sexualmente. También deriva de ninfa y fue creado por Nabokov para mencionar a muchachas como Lolita.

William-Adolphe Bouguereau, Ninfas y Sátiro

Ninfa, en griego y en una de sus versiones, es novia. Una ninfa es la novia de múltiples novios. Ella es una deidad siempre dispuesta a las relaciones sexuales. Es personificación del sexo sin límites, libre potencia de la naturaleza.

John William Waterhouse, Hylas y las Ninfas


Francesco Furini, Hylas y las Ninfas


George Owen, Las siete Ninfas

Paul Delvaux - ninfas bañándose

Hasta Celaya se acordó de las ninfas y les dedicó un poema precioso:"Ninfa"


"Se detiene en el borde del abismo y escucha,
viniendo desde el fondo, rampante, dulce, densa,
una serpiente alada, una música vaga.

Escapa por la suave pereza de su carne
que en el fondo era fango,
era ya tibia, y lenta, y latente, y sin forma;
era como el dios de gran barba dormido
junto al río en la siesta,
junto a ella en la noche
carnal y sofocada de junio con olores.

Y escucha temblorosa,
apaga una tras otra penúltimas preguntas,
y duerme, se hunde, duerme
en brazos de un gran dios de pelo duro y rojo,
divino Pan: un dios
hecho bestia que huele.."

Gabriel Celaya

Parte del texto y las pinturas son del blog:
http://juancarlosboveriarte.blogspot.com.es/search/label/ninfas

miércoles, 8 de julio de 2020

DESNUDOS DE TAMARA DE LEMPICKA - REVOLUCIONARIA Y ADELANTADA A SU TIEMPO



Abordar la figura de Tamara de Lempicka significa rescatar del olvido a una de las artistas más importantes del Art Déco, la única retratista importante en este estilo. 

Mujer que recurrió a su atractivo y encantos físicos para autopromocionarse. Excesivamente pendiente de su triunfo social, no interesó a las vanguardias ni las vanguardias le interesaron a ella. Este y otros factores contribuyeron a que su creación pictórica quedara arrinconada en un inmerecido plano dentro de la Historia del Arte. Un escenario al que, sin duda alguna, debe de volver, y ésta vez, sin ser tenida por nadie.


Pintora polaca nacida en Varsovia. El arresto de su marido por los bolcheviques la convirtió en una especie de heroína. Después de rescatar a su esposo, viajó a París donde llegó a convertirse en una musa de la pintura Art Decó y deslumbró a la aristocracia con la deliberada sensualidad de su arte. 

Casada en segundas nupcias con un millonario, la convirtieron en baronesa y sus destellos en los grandes salones comenzaron a mezclarse con el incipiente ascenso del nazismo. Es entonces cuando viajó a Estados Unidos, donde decidió vivir tan espectacularmente como lo había planeado. Fue amiga de Greta Garbo, Orson Welles, Tyrone Power y Rita Hayworth, entre otros. 

A la muerte de su marido decidió abandonar éste país, yéndose a vivir a Cuernavaca (México), donde siguió pintando y frecuentando los altos círculos sociales hasta su muerte. Tamara de Lempicka murió en 1980 y sus cenizas están esparcidas sobre el volcán Popocatepetl.

























Apasionada, exuberante, atrevida, soberbia, elegante, presumida, coqueta, voraz depredadora, con poses de estrella y maneras de femme fatal, esa es la descripción amplia de su persona. La de una mujer revolucionaria y adelantada a su tiempo, un tanto frenética y frívola en sus decisiones pero autónoma y creativa sin límites dentro de un mundo regido e administrado por hombres. 

Única y fascinante: "Entre un centenar de pinturas se puede reconocer la mía, mi objetivo era que: no se puedan copiar, tengan un nuevo estilo con colores claros y brillantes, y le devuelvan la elegancia a los modelos", afirmaba De Lempicka. En la actualidad sus trabajos cotizan al alza, siendo una referencia estética casi obligada dentro de escenarios como el de la moda o la publicidad.




TAMARA DE LEMPICKA

Tamara de Lempicka se llamaba Tamara Gurwik-Gorska y llevaba ese nombre por un personaje de Lermontov. El pobre Lermontov, que había muerto en un duelo. Coqueta y mentirosa durante toda su vida, consiguió que en sus papeles personales figurase 1898 como año de su nacimiento, y mantuvo esa ficción a lo largo de su existencia; incluso, en sus últimos años, insistía en que había nacido en 1902. Rodeada de un halo misterioso, en su vejez sigue representado el papel de gran dama, aunque apenas sea ya un fantasma de otra época: en 1986, cuando Franco Maria Ricci publica un artículo sobre la Lempicka en su revista, FMR, el autor, Giancarlo Marmori, afirma desconocer casi todo sobre la vida de la pintora, hasta el extremo de mantener que había nacido en 1906, en un lugar ignorado. No es el único. 

Uno de sus biógrafos, el peculiar Gilles Néret, fija la fecha de nacimiento en 1898, aunque Tamara había nacido en realidad en 1895, y la propia esquela de su muerte indicará que había nacido en 1902, convencido el New York Times de la veracidad de las palabras de la pintora. 

Hoy, conocemos con detalle su vida gracias a su principal biógrafa, Laura Claridge, que le dedicó una voluminosa obra de casi quinientas páginas hace apenas cuatro años. Tamara de Lempicka decía que había nacido en Varsovia, pero en realidad era moscovita, y allí, en Moscú, asistió a la escuela. Más misterio. Después, Tamara, además de Moscú, vivió en San Petersburgo, y pudo viajar por Italia, y visitar París.



Para saber más de ella, os dejo un enlace que me gustó mucho de Rebelión:




*Entrada que hice en enero de 2012 y que hoy actualizo.


EL JINETE AZUL - (DER BLAUE REITER) descubrir ese mundo invisible del alma.


"el color es la tecla y el alma el piano"


Kandinsky . El jinete azul 1903


A mediados de 1911, Kandinsky y Franz Marc comenzaron a trabajar en algo nuevo. Se trataba de un proyecto de redacción al que nombraron Der Blaue Reiter (El jinete azul). 

El nombre surgió en casa de Franz Marc mientras tomaban café. A Kandinsky le fascinaban los jinetes, Marc amaba a los caballos y a ambos les gustaba el color azul.


Los caballos azules Franz Marc 1911


En este caso no se trataba de luchar contra el paganismo, sino de luchar en contra de los conceptos pre-establecidos de lo que consideraba "arte"

Planeaban publicar un almanaque donde se informara de la actual escena artística; después le seguiría una exposición. 

La forma en que éstos veían el arte era muy particular. Compartían el gusto por el arte de los pueblos primitivos, no lo veían inferior al "alto arte europeo". 

Se trataba de acabar con el concepto tradicional de estilo, ya que en el arte de todos los países a través de los tiempos hay algo que lo hace "auténtico". 

En el siglo XX se pretendía romper las barreras entre las diferentes artes, por lo que no fue extraño que Kandinsky escribiera un artículo para el almanaque llamado “El sonido amarillo”, un artículo dedicado a las “óperas de color”, que según lo esperado por el ruso, renovarían la música teatral al combinar los géneros de música, pintura y lengua. 

El almanaque se publicó en 1912, con el generoso financiamiento de Bernhard Koehler y el apoyo del editor de Munich, R. Piper. Incluía, además de lo escrito por Kandinsky y Marc, ensayos de August Macke, Arnold Schönberg, David Burljuk y Roger Allard, que además de pintura, hablaban sobre otras expresiones artísticas como música y teatro.

Todas esas ideas podrían resumirse en la siguiente frase: 

"La cuestión del arte no es una cuestión de la forma, sino del contenido artístico". (Kandinsky, 1936).


Detalle de un cartel de Kandinsky para una exposición de 'El jinete azul'.


La primera exposición de El jinete azul tuvo lugar en la galería muniquesa Thannhauser, del 18 de diciembre de 1911 al 1 de enero de 1912 y en ella se mostraron 50 obras de los siguientes artistas: Albert Bloch, David y Vladimir Burliuk, Heinrich Campendfonk, Robert Delaunay. Elisabeth Epstein, Eugen von Kahler, Vassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter, Jean Bloé Niestlé, Henri Rousseau y Arnold Schönberg.


August Macke, "Woman in a green jacket", 1913

Gabriele Münter

Robert Delaunay


A pesar de ser una muestra heterogénea, privilegiaba el arte abstracto de Kandinsky, Marc y Delaunay, además de colocar en un sitio especial el trabajo de Rousseau, Kandinsky escribió el siguiente prólogo para preparar al espectador:

"En esta pequeña exposición no intentamos difundir una forma específica o determinada. Lo que queremos es presentar, a través de las distintas formas aquí representadas, las diferentes maneras mediante las cuales se manifiestan los deseos internos del artista".


Con todo y las advertencias, la muestra fue objeto de burlas por parte de los asistentes. Si no fuera por las ventas orquestadas por Bernhard Koehler, la exposición hubiera fracasado.

La segunda exposición se realizó en febrero de 1912 y sólo se mostraron obras gráficas. Juntos a los trabajos de los miembros del “Brücke” estaban los de Picasso, Braque, Natalia Goncharova, Michail Larionov y Kasimir Malevich.



Kazimir Malevich

Natalia Goncharova - La pequeña estación


Michail Larionov, Desnudo azul, 1903


Los artistas de El jinete azul exhibieron en la galería Der Sturm con pocas interrupciones de octubre de 1912 a abril de 1914. 

Herwarth Walden publicó en su revista obras de Campedock, Delaunay, Klee, Marc, Kandisnky, entre otros, además de artículos sobre teoría del color.



Paul Klee

Con tanta difusión, parecería que el público aceptaría la vanguardia artística. Pero no fue así, las burlas continuaron, inclusive el arte de Kandinsky se consideró “idiotismo”. 

Pese a todo, los artistas de El jinete azul siguieron creando y profundizando en sus conceptos teóricos. Aquellas obras en las que lo figurativo iba quedando relegado no eran hechas por casualidad, sino que se creaban con base en ideas bien establecidas, sobre el uso del color y las formas. La abstracción implicaba una reflexión profunda por parte del artista.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, El jinete azul vería terminado sus días. Los artistas se dispersaron y algunos, como Macke y Marc, murieron en el frente. 

Actualmente, la mayor colección sobre Der Blaue Reiter puede admirarse en Munich, en la galería Lenbachhaus, gracias a la generosa donación de Gabriele Münter, quien fue compañera de Wassily Kandinsky hasta 1914.


Tempestad (storm) de Marianne von Werefkin


Alexei Jawlensky


Franz Marc, "Establos"



"La abstracción de Alexei Jawlensky, la melancolía y soledad de Marianne von Werefkin y la armonía de Franz Marc, expresan el interior de cada uno de los artistas que vieron como la Primera Guerra Mundial "apagaba los colores" y "tapaba los sonidos".."

KANDISKY



Como muchos movimientos de vanguardia del siglo XX, El jinete azul tuvo una vida breve, pero dejó un legado enorme, además de sentar precedentes para otros movimientos artísticos y abrir un espacio para las ideas nuevas en un siglo que estaría marcado por cambios vertiginosos que no sólo abarcarían el arte y la cultura.


Todos compartían el mismo objetivo: descubrir ese mundo invisible del alma.



Calle de Murnau. Kandinsky 1908


Autumn Landscape with Boats, Wassily Kandinsky, 1908




Fuente:



lunes, 30 de marzo de 2020

CHARLES BUKOWSKI Y EDVARD MUNCH - LA DANZA DE LA VIDA


"La danza de la vida" de Edvard Munch, 1899. (Versión osada y personal del ciclo biológico humano) 



"El área que divide el cerebro y el alma
se ve afectada en muchos sentidos por la
experiencia.
Hay quienes pierden la mente por completo para ser alma:
locos.

Hay quienes pierden el alma por completo para ser mente:
intelectuales.

Hay quienes pierden ambos para ser:
aceptados".

(La danza de la vida, Charles Bukowski)



(detalle del cuadro)

Y desvarío sobre un cuadro:


La danza de la vida (Edvard Munch (1863-1944) puede ser una representación posterior del cuadro Las tres edades de la mujer. Está ambientado en la época estival. 

Se describe el desarrollo de un baile en el que hay una pareja central. Al fondo podemos ver el sol con su respectivo reflejo en las aguas del mar que se enmarca entre dos mujeres; esto tiene connotaciones claramente sexuales debido a la posición contigua a la pareja principal. 

El hombre aparece con los ojos cerrados frente a una mujer de rojo, símbolo de la pasión, que tiene los ojos muy abiertos, como si quisiese despertar el deseo en el otro. Ambas figuras están absortas en su mundo, sin que les importe demasiado lo que ocurre en el entorno. 


(detalle del cuadro)

A la izquierda aparece una mujer con un vestido blanco, está sonriendo y resaltan sus mejillas sonrosadas. El gesto de aproximarse a arrancar una flor denota que está enamorada. Representa la primera etapa del amor, la ilusión. 

Al otro lado aparece una mujer vestida de negro, de aspecto más mayor, mira a los jóvenes bailarines con gesto de desaprobación, resignada en su soledad. 

Munch pretende simbolizar lo transitorio de los sentimientos. Estas dos figuras señalan el inicio y el final de una historia que plasmaría la vida de todas las mujeres.



¿Cuántos "aceptados" conocéis en vuestras vidas?